Sometimes trying to find a definition for something generates what we want the less: to limit that thing, rather than let it be.
Throughout history, humankind has used narrative images to tell stories. It seems to be part of our essence, to express ourselves and share our tales with others even before having words.
The earliest recorded illustrations appear in the cave paintings and still in present moment we´re rediscovering this practice, which more than others, fluctuates between being an art or a simple job (only in case this distinction could be possible).
Carola Zerbone’s main activity is illustration, but she doesn´t fit herself in only one professional figure. Some other ways of expression go through her work, as photography, music, and dance. Graduated in architecture, she feels passion in music and handcraft, especially working with wood. And even her artistic search is guided by yoga and meditation. So, it´s not a simple thing to define her artwork, because, as well as she is, it´s multifacetic and it´s in constant evolution.
Around the work of the illustrator, I consider it interesting to raise an issue that in this discipline is more evident than in others. Which work is more “artistic”, the one the illustrator creates for him or herself of the one he/she creates on behalf of a client?
I asked Carola how much autobiographic there is her artwork. She answered me that what she does for herself is hundred percent autobiographic and the result of a personal exploration. That makes me think about how difficult it´s to separate the being to the do, or how obvious it´s that art is nothing but an extension of ourselves. Real art begins where words are not enough.
But, she said, it´s not the same when the work is for a client. In that case she does what the client asks, seen through her eyes. So, even though she´s not talking about what I´m trying to think (about the artistic character of a piece), these words make me feel something and I ask to myself: A work for others is less art that this one that we create for ourselves? Why we used to romanticize the idea of free creating? Is that because the intention is more art than action? Where does appear the sign, the singular mark of the artist? Which is that element that makes a work a piece of art?
Before I think it´s important to review the history of illustration across cultures and time periods*. May be there we can find some answers, or better questions.
This history started millions of years ago, in cave paintings. The first images featured pictorial representations or logograms in succession, which detailed important events. Then, in the ancient Greek and Latin cultures, art grew to honor gods, humankind, and the cultures themselves. So, by that time we can find illustrations of heroes and festivals, mythological tales and literature, funeral scenes, and sporting events.
In the Middle Ages, narrative pictorials appeared in illuminated manuscripts. Christian belief in the sanctity of religious writings was the primary reason for the preservation and copying of books.
Starting in the 14th century, artists of the Renaissance presented new music, literature, art, and publications that could be mass-produced and distributed due to the invention of a mechanical printing process. The creation and distribution of woodcuts and engraved prints provided people outside the upper class the possibility of experiencing art.
With the start of the Industrial Revolution, printing technology improved rapidly, and more publications were distributed. Illustration became more commonly encountered in daily life. By those days, the first studio for the creation and printing of commercial illustration was established, and that was used for many purposes. Newspapers were increasingly embellished with engravings.
The profession of illustration fully takes hold in the early 1800s. English and French caricaturists independently earned a living as full-time illustrators with sales of etched or engraved prints through small, gallery-like print shops and city street book stalls. This made illustration accessible and affordable. Books by popular writers were illustrated throughout.
Under the influence of the first generation of successful American narrative illustrators in the late 1800s publishers soon recognized that illustrations helped to sell magazine subscriptions and increase advertising revenue. Strong and consistent sales allowed more commissions of original art, and the business of illustration was fully established.
With wider and more efficient distribution networks, illustrated newspapers, books and magazines were enjoyed by millions of people as affordable entertainment. So, magazines, journals and comics brought the art of illustration into daily life.
In fact, illustration was beginning to be seen by publishers as a necessity and the best illustrators became well-known figures.
From the fifties the magazine publishing industry grew rapidly, and new techniques improved narrative illustration art, as was the case of animated films, and digital techniques.
Contemporary illustration uses a wide range of styles and techniques, including drawing, painting, printmaking, collage, montage, digital design, multimedia, and mix media.
We can see that this history was made around only one idea of illustration, that which means to illustrate is to provide a book, newspaper, or magazine with pictures. By this meaning we think about to decorate, adorn, or accompany. But what about the other meaning? That one which value the illustration itself, not in relation to some other thing (and by saying ‘thing’ I mean words).
Because to illustrate, from Latin word ‘ilustrare’, it means clarify a point or matter, bring light to understanding. But as we could see up here, this original meaning, the essence of this practice, has been changed due to the “unpredictable transformations of the primitive sense of words, over time”, as Jorge Luis Borges says talking about the importance of etymology.
At this point we can make the big question: Is it illustration an art? Even though this matter deserves a profound and detail answer, now I only will say that I think it is, and that the series created by Carola Zerbone are a clear proof of that.
I’ am going to focus my attention on one of her albums: “Conceptual”. The illustrations of this series are metaphoric representations of scenes and ideas. Extremely expressive, in a style stripped of all artifice, she accomplishes to, through them, say a lot. Without words, the images created with a few elements of the real world, carefully taken from her patient and observant study of human movement, all together enhances its shape and meaning.
At this moment I feel able to make my own definition of illustration, that means the art of telling stories with narrative images. But it´s not the image that “decorates” the text written for someone else. It´s the story that the proper image has to tell about itself. Narrative illustrations are based, always, on a story, and the use of visual clues and to represent that narrative with characters, is the essence of this art.
The artist has a big work to do, before materializing her idea. In the case of Carola, to create her characters, she´s trying harder and harder to focus on the corporal language, more than the face’s expression. She studies the personality of the character, and then, she looks for lots of images of people moving or doing things. For many years she drew only people on the street or on the bus, studying their posture and attitude. “Telling stories with drawings is marvellous, it´s to capture an imaginary” she says.
Her illustrations reflect all these. Beyond the perfection in the techniques she uses, the result shows an intimate character study, that allows her to express not only the character´s feelings (loneliness, frustration, stress of the big city, vice, dreams), but also those which she, as an artist, puts in her artwork. Because in each piece we find poetry, intimacy, irony and all the details that proves she practices deep observation and attentive listening.
Carola Zerbone was born in Italy and currently lives in Barcelona, Spain. Graduated on architecture, she works as illustrator and give painting lessons.
You can follow her on Instagram @carolazerbone and see her artwork on her website: www.carolazerbone.it/
Notes: I took the info on illustration history from Norman Rockwell Museum´s archive - www.illustrationhistory.org
Las ilustraciones de Carola Zerbone
Algunas veces, tratar de definir algo genera lo que menos queremos: limitarlo, más que dejarlo ser.
A lo largo de la historia, la especie humana utilizó imágenes narrativas para contar historias. Parece ser parte de nuestra esencia, expresarnos a nosotros mismos y compartir nuestros relatos con otros, incluso antes de tener palabras.
Las ilustraciones más antiguas registradas aparecen en el arte rupestre y aún hoy estamos redescubriendo esta práctica, que más que otras, fluctúa entre ser un arte o un simple trabajo (sólo en el caso de que esta distinción fuera posible).
La actividad principal de Carola Zerbone es la ilustración, pero ella no se encasilla a sí misma en una sola figura profesional. Otros modos de expresión atraviesan su obra, como la fotografía, la música y la danza. Graduada en Arquitectura, es una apasionada de la música y la artesanía, especialmente de los trabajos en madera. Incluso su búsqueda artística está guiada por el yoga y la meditación. De esto se desprende que no es fácil definir su trabajo, porque, al igual que ella, es multifacético y se encuentra en un estado de constante evolución.
En torno al trabajo del ilustrador, me parece interesante plantear un tema que en esta disciplina se muestra más evidente que en otras. ¿Qué trabajo es más “artístico”, el que el ilustrador crea para sí mismo, o el que crea por encargo de un cliente?
Le pregunté a Carola cuan autobiográfica era su obra. Me contestó que lo que hace para sí misma es cien por ciento autobiográfico, y el resultado de una exploración personal. Esto me hace pensar en lo difícil que resulta separar el ser del hacer, o lo obvio que es que el arte no sea más que una extensión de nosotros mismos. El arte real empieza donde las palabras no son suficientes.
Pero, agregó, no es lo mismo cuando el trabajo es para un cliente. En ese caso hace lo que el cliente pide, aunque desde su mirada. Entonces, aunque ella no está hablando de lo que yo estoy tratando de pensar (esto es, el carácter artístico de una obra), estas palabras me generan algo y me llevan a preguntarme lo siguiente: ¿Un trabajo realizado para otros es menos arte que el que creamos para nosotros mismos? ¿Por qué solemos romantizar la idea de la creación libre? ¿Eso será porque la intención es más arte que la acción? ¿Dónde aparece la marca singular del artista? ¿Cuál es el elemento que hace de una obra, una obra de arte?
Antes creo importante rever la historia de la ilustración, a través de diferentes culturas y períodos de tiempo*. Tal vez podamos encontrar algunas respuestas, o mejores preguntas.
Esta historia comenzó hace miles de años, con las pinturas rupestres. Las primeras imágenes incluyeron representaciones pictóricas o logogramas en sucesión, que detallaban eventos importantes. Luego, en las culturas greco-latinas, el arte creció en honor a los dioses, la especie humana, y la propia cultura. Ya en ese momento, podemos encontrar ilustraciones de héroes y festivales, relatos mitológicos y literatura, escenas de funerales y eventos deportivos.
En la Edad Media, las pinturas narrativas aparecieron en los manuscritos iluminados. La creencia cristiana en las sagradas escrituras fue la primera razón para preservar y copiar libros.
Comenzando el siglo VIX, los artistas del Renacimiento presentaron nueva música, literatura, arte y publicaciones, que pudieron ser producidas y distribuidas masivamente, debido al invento de la imprenta. La creación y distribución de cortes de madera y las impresiones de grabados acercó a la gente por fuera de las clases altas, la posibilidad de experimentar el arte.
Con el comienzo de la Revolución Industrial, la imprenta mejoró rápidamente y fueron distribuidas una mayor cantidad de publicaciones. Se hizo más común encontrar la ilustración en la vida cotidiana. Por aquellos días, se estableció el primer estudio para la creación e impresión de ilustraciones comerciales, y esto fue utilizado para diferentes propósitos. Los periódicos se embellecían cada vez más con grabados.
La ilustración como profesión se estableció a comienzos del 1800. Caricaturistas ingleses y franceses comenzaron a ganarse la vida de manera independiente como ilustradores de tiempo completo, con la venta de grabados, a través de pequeñas galerías y puestos callejeros de libros. Esto hizo que la ilustración fuera accesible y asequible, y con el tiempo los libros de escritores populares comenzaron a ser ilustrados.
Bajo la influencia de la primera generación de exitosos ilustradores narrativos americanos a finales del 1800, los publicistas pronto reconocieron que las ilustraciones ayudaban a vender suscripciones de revistas y a incrementar los ingresos a través de la publicidad. Ventas fuertes y consistentes permitieron más comisiones de arte original y el negocio de la ilustración se estableció por completo.
Con redes de distribución más amplias y eficientes, millones de personas disfrutaron de periódicos ilustrados, libros y revistas como entretenimiento accesible. Así, revistas, diarios y cómics instalaron el arte de la ilustración en la vida cotidiana.
De hecho, la ilustración empezó a ser vista por los publicistas como una necesidad y los mejores ilustrados se convirtieron en figuras reconocidas.
A partir de los años cincuenta la industria de la publicación de revistas creció rápidamente y las nuevas tecnologías perfeccionaron el arte de la ilustración narrativa, como fue el caso de los filmes animados y las tecnologías digitales.
En la actualidad, la ilustración usa un amplio rango de estilos y tecnologías, incluyendo el dibujo, la pintura, las impresiones, el collage, el montaje, el diseño digital, multimedia y mix media.
Podemos ver que esta historia se construyó en torno a una sola idea de ilustración, la que significa que ilustrar es proporcionar imágenes a un libro, periódico o revista. De este modo lo entendemos como decorar, adornar o acompañar. Pero ¿Qué hay del otro significado? Ese que valora la ilustración por sí misma, y no en su relación con otra cosa (y por ‘cosa’ quiero decir palabras).
Porque ilustrar, que proviene del vocablo latino ‘ilustrare’, significa aclarar un punto o materia, dar luz al entendimiento. Pero, como pudimos ver más arriba, este significado original, la esencia de esta práctica, fue cambiado debido a las “impredecibles transformaciones que sufre el sentido primitivo de las palabras a lo largo del tiempo” como Jorge Luis Borges dice, al hablar de la importancia de la etimología.
En este punto, podemos hacer la gran pregunta. ¿Es la ilustración un arte? Aunque este tema merece una respuesta profunda y detallada, por ahora sólo diré que creo que lo es, y que las series creadas por Carola Zerbone son una clara prueba de ello.
Voy a poner mi atención en uno de sus álbumes: “Conceptual”. Las ilustraciones de esta serie son representaciones metafóricas de escenas e ideas. Extremadamente expresivas, y con un estilo despojado de todo artificio, ella logra, a través de las imágenes, decir mucho. Sin palabras, los universos creados con unos pocos elementos del mundo real, cuidadosamente tomados de un estudio paciente y profundo del movimiento humano, juntos potencian su forma y su significado.
En este momento me siento capaz de crear mi propia definición de ilustración. La que entiendo como el arte de contar historias con imágenes narrativas. Pero no se trata de la imagen que “decora” el texto escrito por otro. Es la historia que la propia imagen tiene para contar acerca de sí misma. Las ilustraciones narrativas se basan, siempre, en una historia y, tanto el uso de ciertas pistas visuales como el hecho de representar esa narración con personajes, es la esencia de este arte.
La artista tiene un gran trabajo por hacer, antes de materializar su idea. En el caso de Carola, para crear sus personajes, ella trata cada vez más de enfocarse en el lenguaje corporal, y no tanto en la expresión del rostro. Analiza la personalidad del personaje, y luego, busca imágenes de gente moviéndose, o haciendo cosas. Durante muchos años, ella dibujó sólo gente en la calle o en el autobús, con el afán de estudiar su postura y actitud. “Contar historias con dibujos es maravilloso, es crear un imaginario” dice.
Sus ilustraciones reflejan todo esto. Más allá de la perfección en las técnicas que uliliza, el resultado muestra un íntimo estudio de los personajes, que le permite expresar no sólo sus sentimientos (soledad, frustración, stress en la gran ciudad, vicios, sueños) sino también aquellos que ella, como artista, aporta a su trabajo. Porque en cada obra encontramos poesía, intimidad, ironía y todos los detalles que prueban que ella es una experta en la práctica de la escucha atenta y la observación profunda.
Carola Zerbone nació en Italia y vive actualmente en Barcelona, España. Graduada en Arquitectura, trabaja como ilustradora y da clases de pintura.
Puedes seguirla en Instagram @carolazerbone y ver su trabajo en su website: www.carolazerbone.it/
Notas: La información acerca de la Historia de la Ilustración fue tomada del archivo del Museo Norman Rockwell - www.illustrationhistory.org
