The word photograph was coined in 1839 by Sir John Herschel and is based on the greek words ‘phos’, meaning ‘light’, and ‘graphê’, meaning ‘drawing’. So, beyond the technique process it implies, photography means ‘drawing with light’.
I´ve always found interesting one peculiar photographer´s attitude: to go out to the meeting of something. Maybe we could ask what they are looking for, and probably the answer is that they really don´t know, and what they are actually going in search is that which seeks them. Because even though when they are just on the way to do something else, images appear, forcing them to stop and compel them to be shot.
In the case of Linda McPhee this action is really an interesting one. Her current project called “Pinky and Myrtle” is a series of photographs expressing, first of all, beauty and strength in a minimalistic way, but it is also the result of a deep exploration, not only of the chosen locations, but also of the way she approaches them.
I think this is the central point of Linda´s artwork: the minimalistic aesthetic, but not only as a visual result, also as the constructive process itself.
In “Pinky and Myrtle” she focuses on two industrial suburbs, Pinkenba and Myrtletown (in the city of Brisbane, Australia), revisiting them one and again over a long period of time. This ongoing exploration allows her to find what it´s hiding at first sight, “some pleasing landscape in industrial suburbs”.
There is also another interesting point I´d like to remark, and it is about Linda´s approach to the proper action of taking pictures. Let´s read her own words: “Initially, I used photography as a form of meditation. I learnt about a Tibetan monk, Chogyam Trungpa, who photographed visual perceptions: space, light, colour, texture, simplicity. As I walked, alert and observant, I used these perceptions as starting points for investigation. Doing this I was completely in the present moment, responding to what appeared without judgement or conceptualisation. There is often a grounded presence and beauty in images photographed in this way. This is still very much the basis of my approach as it means I can remain true to my vision and avoid falling into limiting fads and genres.”
This kind of contemplative photography practice, grounded in buddhist teachings on perception, creativity and wisdom, makes Linda´s artwork an authentic sample of clear seeing and the power of its impact in the viewer.
Now I understand what those well-defined shapes, low in detail and with sharp transitions setting them off from the background, generate in me. Are the images talking to me, touching me, feeling me. I love experience art in this way, I mean, reversing the roles. This is not me, the viewer, the subject of knowledge, and the piece of art the object I contemplate; on the contrary it is the image that challenges me, disarming the categories of subject and object. So, the most important thing is not the meaning I could create for the photograph, but the message it has to me.
And the message is emptiness and silence, with a few marks humans have left after they are gone. And by saying ´humans’ I mean probably also ´consciousness’, ‘ego’ or ‘mental noise’. I really love the image that appears in my mind when Linda says: “My ideal shooting environment would be like a scene from a science fiction film where I wake up and find the human population has mysteriously disappeared, leaving just the marks of their existence."
So, when I say the photographer goes out to the meeting of something, and in this state of meditation that Linda refers, what she contemplates, or what she finds, is that pure present moment, reflected in “the place where light, form and color become together to elevate the commonplace and reveal a subtle mystery”. And this is what the expression 'drawing with light' really means.
Besides, as Linda expresses, light is “the constant reminder of impermanence. Every photographer who shoots in natural light appreciates the impermanence of that key element in a scene. Remembering impermanence means I will stop and shoot a scene when I see it as I know it will not look exactly that way ever again. It is a big thrill when I pass a scene I have photographed that has changed dramatically. I know I have captured a moment in time never to be repeated. I feel very small in the universe when I think about these things, as if I have glimpsed a great truth.”
So clear seeing is not only the source of vivid and fresh images, it´s also photography´s reason to be, and its most important and deep skill: to capture impermanence, transforming it into permanent beauty and strength.
Linda McPhee lives in Brisbane, Australia. You can check out her amazing photographs in Instagram. Search her as @loulou_mcphee
Linda McPhee - Fotografía minimalista
La palabra fotografía fue acuñada en 1839 por Sir John Herschel y deriva de las palabras griegas ‘phos’ que significa ‘luz’ y ‘graphê’ que significa dibujo. Por lo tanto, más allá del proceso técnico que implica, fotografía significa ‘dibujo con luz’.
Siempre me pareció interesante una actitud propia de los fotógrafos: salir al encuentro de algo. Tal vez podríamos preguntarnos qué están buscando, y probablemente la respuesta sea que no lo saben o que en realidad estén esperando eso que los encuentre a ellos. Porque incluso cuando van de camino a hacer alguna otra cosa, muchas veces las imágenes se les aparecen, obligándolos a detenerse y a capturarlas.
En el caso de Linda McPhee ésta es una acción muy interesante. Su proyecto actual llamado “Pinky y Myrtle” es una serie de fotografías que expresa, en principio, belleza y fuerza de un modo minimalista, pero también es el resultado de una exploración profunda, no sólo del espacio elegido, sino también del modo como ella aborda ese espacio.
Creo que este es el punto central de su obra: la estética minimalista, no sólo como resultado visual, sino también como el propio proceso creativo.
En “Pinky y Myrtle” se centra en dos suburbios industriales, Pinkenba y Myrtletown (situados en la ciudad de Brisbane, en Australia), que ella visita una y otra vez durante largos períodos de tiempo. Esta continua exploración le permite encontrar lo que a primera vista está escondido, “un paisaje placentero en los suburbios industriales.”
Hay otro punto importante que quisiera destacar, y tiene que ver con el modo en que Linda aborda la propia acción de tomar fotografías. Leamos sus propias palabras: “Al principio, usaba la fotografía como una forma de meditación. Lo aprendí de un monje tibetano, Chogyam Trungpa, que fotografiaba percepciones visuales: espacio, luz, color, textura, simplicidad. Mientras caminaba, alerta y observando todo, utilizaba estas percepciones como puntos de partida para la investigación. Haciendo esto me encontraba completamente en el momento presente, respondiendo a eso que se aparecía sin juicio ni conceptualización. Generalmente las imágenes fotografiadas de esta manera poseen una arraigada presencia y belleza. Aun hoy sigue siendo la base de mi acercamiento a las imágenes, en tanto significa para mí permanecer fiel a mi visión y evitar caer en modas y géneros limitantes.”
Este tipo de práctica contemplativa, vinculada a la fotografía, basada en las enseñanzas budistas acerca de la percepción, la creatividad y la sabiduría, hacen del trabajo de Linda una muestra auténtica de una “mirada clara o despejada” y el poder que su impacto ejerce en el espectador.
Ahora entiendo lo que esas formas bien definidas, con pocos detalles y transiciones agudas que se activan desde el fondo, generan en mí. Son las imágenes hablándome, tocándome, sintiéndome. Me gusta mucho experimentar el arte de esta manera, quiero decir, invirtiendo los términos. No soy yo, espectadora, el sujeto de conocimiento, y la obra de arte el objeto que contemplo; por el contrario, es la imagen la que me interpela, disolviendo las categorías de sujeto y objeto. Por lo tanto, lo más importante no es el significado que yo pueda crear para esa fotografía, sino el mensaje que ella tiene para mí.
Y el mensaje es el vacío y el silencio, con unas pocas marcas que los humanos dejaron antes de partir. Por ‘humanos’ entiendo probablemente también ‘conciencia´, ‘ego’ o ‘ruido mental’. Me encanta la imagen que aparece en mi mente cuando Linda dice: “Mi contexto ideal para sacar fotos sería como una escena de una película de ciencia ficción, en la que me despierto y descubro que la población humana ha desaparecido misteriosamente, dejando sólo rastros de su existencia.”
Entonces, cuando digo que el fotógrafo sale al encuentro de algo, y en este estado de meditación al que hace referencia Linda, lo que ella contempla, o lo que encuentra, es un momento de puro presente, reflejado en “el lugar donde la luz, la forma y el color se juntan para elevar el lugar común y revelar un sutil misterio”. Y esto es lo que la expresión 'dibujo con luz' realmente significa.
Además, así como lo expresa Linda, la luz es “el recordatorio constante de la impermanencia. Todo fotógrafo que haga fotos con luz natural sabe apreciar la impermanencia de ese elemento clave en una escena. Recordar la impermanencia significa que debo detenerme y fotografiar la escena cuando la veo porque sé que nunca más lucirá exactamente igual. Es una gran emoción cuando paso por una escena que he fotografiado y noto que ha cambiado dramáticamente. Sé que he captado un momento en el tiempo que nunca se repetirá. Me siento muy pequeña en el universo cuando pienso en estas cosas, como si hubiera vislumbrado una gran verdad”.
Entonces, esta visión clara y despejada no es sólo la fuente de imágenes vívidas y frescas, es también la razón de ser de la fotografía, y su habilidad más importante y profunda: capturar la impermanencia de las cosas, transformarla en belleza y fuerza permanentes.
Linda McPhee vive en Brisbane, Australia. Puedes ver sus fantásticas fotos en Instagram. La encuentras como @loulou_mcphee
